Le Musée GUGGENHEIM de New York
Mai 2017
Le musée Guggenheim est le plus célèbre et le plus ancien des différents musées créés par la fondation Solomon R. Guggenheim.
Solomon R. Guggenheim, membre d’une famille enrichie par l’exploitation minière, collectionnait les œuvres des maîtres anciens depuis les années 1890. En 1926, il rencontre l’artiste Hilla de Rebay, peintre allemande spécialiste de l'art abstrait, née en 1890 à Strasbourg, qui l’initia à l’art d’avant-garde européen, en particulier à l’art abstrait.
Solomon R. Guggenheim a commencé à exposer sa collection au public dans son appartement de l’hôtel Plaza à New York. À mesure que sa collection grandissait, il créa la Fondation Solomon R. Guggenheim en 1937, dans le but de promouvoir l’art moderne.
Les collections permanentes du Guggenheim New York comptent environ 8 000 œuvres dont 3 % seulement sont exposées !
Aujourd'hui, au musée Guggenheim à New York, on peut admirer les œuvres d'artistes comme Marc Chagall, Auguste Renoir, Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Manet et bien d'autres expositions encore, qui sont renouvelées plusieurs fois par an.
Voici quelques oeuvres que j'ai apprécié de contempler lors de ma promenade dans ce musée, à commencer par le bâtiment largement admiré et reconnu comme un chef-d’œuvre et source d'inspiration pour de nombreux autres architectes.
En 1943, l’architecte américain Frank Lloyd Wright fut choisi pour concevoir une structure permettant d’abriter et d’exposer la collection. 15 années, 700 croquis et six séries de dessins de travail lui ont été nécessaires pour créer le musée.
L’objectif de Wright était que les visiteurs du musée se rendent au sommet du bâtiment par ascenseur, puis descendent à un rythme tranquille sur la pente douce de la rampe continue et admirent enfin l’atrium comme la dernière œuvre d’art de l’édifice.
L’extérieur du musée est plutôt simple, mais, en entrant, le regard est immédiatement attiré par la verrière de la rotonde qui diffuse la lumière du jour.
La rampe inclinée de l'édifice est sans aucun doute l'élément le plus révolutionnaire et surprenant du musée.
Le 21 octobre 1959, dix ans après la mort de Solomon Guggenheim et six mois après la mort de Frank Lloyd Wright, le musée a ouvert ses portes à une grande foule de visiteurs.
Portrait de Solomon R. Guggenheim, par Hilla Rebay, 1928
La collection du Musée Guggenheim comporte un nombre impressionnant de chefs-d'œuvre. Il abrite la plus grande collection d'œuvres au monde de l'artiste russe Kandinsky. De nombreuses œuvres exposées au Guggenheim sont des dons. En 1976, Justin K. Thannhauser, l'un des plus grands collectionneurs d'art moderne, légua au musée des chefs-d'œuvre de Paul Cézanne, d'Edgar Degas, de Picasso, de Vincent van Gogh et de bien d'autres artistes.
En voici quelques exemples.
Camille PISSARO
Camille Pissarro (1830-1903) était un peintre impressionniste basé en France, spécialiste des paysages mais qui changeait fréquemment de style et de sujets. Il joua un rôle déterminant dans le nouveau mouvement artistique du 19ème siècle, organisant des expositions indépendantes et inspirant des contemporains comme Paul Cézanne (1839-1906) et toute une jeune génération d'artistes, de Vincent Van Gogh (1853-1890) à Henri Matisse (1869-1954).
Cézanne déclara un jour que Pissarro fut "le premier impressionniste".
L'Hermitage à Pontoise, Les côteaux de l'Hermitage, vers 1867
Camille Pissaro, 1830-1903
Edouard MANET
Peintre favori de Zola, Édouard Manet (1832–1883) a incarné la révolution esthétique de la fin du 19ème siècle. Rival de Gustave Courbet, et véritable exemple pour une génération d’artistes (Degas, Monet…), Manet est parfois présenté, à tort, comme le père de l’impressionnisme. S’il ouvrit la voie à la modernité, l’artiste n’en demeure pas moins un peintre de Salon, en quête de reconnaissance officielle, et dont la carrière a été émaillée de succès et de scandales.
L’œuvre d’Édouard Manet marqua un tournant dans l’histoire de l’art moderne. Il influença les jeunes peintres qui allaient, par la suite, développer l’impressionnisme. De même, Manet soutint financièrement les artistes en difficulté, Claude Monet en particulier, en achetant des toiles à l’insu de ce dernier
Portrait de la comtesse Albazzi, 1880
Edouard Manet, 1832-1883.
Georges SEURAT
Artiste majeur du 19ème siècle, Georges Seurat fut l’un des peintres post-impressionnistes les plus importants.
Chef de file du néo-impressionnisme français, Georges Seurat a renouvelé la modernité impressionniste en lui insufflant une bonne dose de culture classique conjuguée à la rigueur scientifique. La qualité de son trait lui a valu d’être comparé à Jean-Auguste-Dominique Ingres. Seurat était considéré comme un personnage mystérieux, et un travailleur acharné. Avec sa technique pointilliste, l’artiste, mort à l’âge de 32 ans, a durablement marqué l’art moderne de la fin du 19ème siècle.
Paysan à la houe, 1882
Georges Seurat, 1859-1891
Paysanne assise dans l'herbe, 1883.
Georges Seurat.
Vincent VAN GOGH
Vincent Van Gogh est un peintre néerlandais né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert (Pays-Bas) et mort le 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise (France). Peintre et dessinateur néerlandais, son œuvre est pleine de naturalisme, inspirée par l'impressionnisme et le pointillisme, elle annonce le fauvisme et l'expressionnisme.
En 1886, il s’installa à Paris et vécut avec son frère Théo qui dirigeait une petite galerie de tableaux. Il fit rapidement connaissance des jeunes peintres qui animaient les mouvements artistiques les plus innovants. Influencé par l’œuvre des impressionnistes et par celui des artistes japonais, le style de Van Gogh se mit à évoluer. Dès 1888, il adopta des teintes franches et brillantes, présentes dans les tableaux de ses amis français, et quitta Paris pour le sud de la France.
En mai 1890, l’artiste quitta le midi et rejoignit son frère Théo à Paris. Il s’installa non loin de là, à Auvers sur Oise, près de la maison du Docteur Gachet qui admirait et soutenait déjà plusieurs peintres impressionnistes, et dont Van Gogh fit le portrait. L’artiste travailla à Auvers avec ardeur et y mourut le 29 juillet 1890, nous laissant un patrimoine artistique reconnu aujourd’hui dans le monde entier.
Paysage enneigé, Février-Mars 1888
Vincent Van Gogh, 1853-1890
La route de Tarascon, fin juillet-début août 1888
Vincent Van Gogh
Montagnes à Sant-Rémy, 1889, Vincent Van Gogh
G. Vassily KANDINSKY
Pionnier de l’art abstrait, Vassily Kandinsky (1866 – 1944) n’est pas seulement russe : il est un peintre, graveur, théoricien de l’art, poète et dramaturge russe, naturalisé allemand, ukrainien puis français. Mais il est avant tout un artiste international qui a vécu plusieurs années à Paris, a voyagé en Europe, et s’est fait connaître par son essai théorique Du spirituel dans l’art (1911).
Considéré comme l’un des artistes les plus importants du 20ème siècle aux côtés, notamment, de Picasso et de Matisse, il fut un des fondateurs de l'art abstrait.
Croix blanche, 1922, Vassily Kandinsky, 1866-1944
Vers le haut, 1929, Vassily Kandinsky
Pierre BONNARD
Le peintre, illustrateur, lithographe et graveur français Pierre Bonnard est connu surtout pour les qualités décoratives stylisées de ses peintures et son utilisation audacieuse de la couleur. Il est l’un des membres fondateurs du groupe postimpressionniste de peintres d’avant-garde Les Nabis. Ses premières œuvres sont fortement influencées par le travail de Paul Gauguin, ainsi que par les estampes d’Hokusai et d’autres artistes japonais. Il est une des figures de proue de la transition entre l’impressionnisme et le modernisme.
Grande salle à manger sur le jardin, 1934-35
Pierre Bonnard, 1867-1947
Constantin BRANCUSI
Sculpteur de génie, Constantin Brancusi a été l'un des artistes les plus influents du début du 20ème siècle. Il a vu le jour le 19 février de l’année 1876 en principauté de Roumanie qui était à l’époque vassale de l’Empire ottoman.
L’artiste a vécu une grande partie de sa vie à Paris, et c'est à l'Etat français que Brancusi a légué par testament l’ensemble de son atelier à sa mort en 1957.
La muse, 1912, marbre. Constantin Brancusi.
Sculpteur franco-roumain. 1876-1957.
Maiastra 1912 (?), Constantin Brancusi.
Le miracle. Autre titre : Le phoque. Environ 1930-32. Marbre.
Fernand LEGER
Considéré comme l’une des grandes figures de l’art moderne, Fernand Léger est un peintre français dont l’œuvre, riche et cohérente, traverse toute la première moitié du 20ème siècle.
Amené au cubisme par la leçon de Cézanne, il forgea rapidement son propre style en marge des recherches de Braque et Picasso. Pour transcrire le dynamisme de son époque, il développa une peinture basée sur les contrastes de formes et de couleurs, clé de voûte de son esthétique qu'aucune évolution ultérieure ne remettra en cause.
Les hommes dans la ville, 1919, Fernand Léger, 1881-1955
Pablo PICASSO
Picasso est le plus célèbre peintre du 20ème siècle et le fondateur, avec Georges Braque, du mouvement cubiste qui se développe à partir de 1907.Il s'installe à Paris en 1900, à l'âge de 19 ans, après avoir vécu à Barcelone où il a créé ces premiers tableaux. Sa période bleue démarra entre 1901 à 1904.
Le Moulin de la Galette Paris, Automne 1900
Pablo Picasso, 1881-1973
Le quatorze juillet, 1901
Pablo Picasso
En 1904, Picasso entame sa période rose en s'installant au Bateau-Lavoir, une cité d’artistes située sur la butte Montmartre à Paris. A partir de là, ses œuvres commencent progressivement à se colorer dans des tons pastel et à refléter des thèmes liés au spectacle vivant. C’est également à cette époque qu’apparaît une figure qui va changer la vie du peintre : la collectionneuse d’art Gertrude Stein qui, avec son frère, lui achète le tableau Famille d'acrobates avec un singe, parmi beaucoup d’autres.
Jeune acrobate et enfant, Mars 1905
Pablo Picasso
Vase de fleurs, 1905-06, Pablo Picasso
Trois baigneuses, Juan-les-Pins, Août 1920
Pablo Picasso
L'atelier, 1928, Pablo Picasso.
Avec son œuvre La Danse, Picasso entame sa période la plus surréaliste, située entre 1925 et 1938, et manifeste déjà une frustration croissante à l'égard des femmes et du mariage.
Femme aux cheveux jaunes, 1931.
Pablo Picasso
Le sujet de ce tableau est Marie-Thérèse Walter, que Picasso rencontra pour la première fois en 1927 alors qu'elle n'avait que 17 ans et qu'il était un homme marié de 45 ans. Elle devint rapidement sa maîtresse et son modèle, apparaissait fréquemment dans ses oeuvres au cours de la décennie suivante. Picasso aimait la représenter pendant qu'elle dormait, car il pensait que cela la capturait dans son état le plus vulnérable et le plus intime. Sur ce tableau, Marie-Thérèse Walter pose sa tête sur son bras que Picasso dépeint comme une extension sensuelle de ses mèches de cheveux.
Amedeo MODIGLIANI
Portraitiste étonnant, sculpteur à ses heures, ami de Picasso comme d'Apollinaire, Amedeo Modigliani a laissé une œuvre mystérieuse qui a révolutionné l'iconographie de la femme.
Amedeo Modigliani est arrivé à Paris en 1906 afin de poursuivre ses études artistiques. Il s’installa à Montmartre et a peint au départ dans un style proche de Steinlen (1859-1923), Toulouse-Lautrec (1864-1901), ou bien de Picasso (1881-1973) de la période bleue. L’année 1909 marqua un tournant. Après un court séjour à Livourne où la ligne l’emporta déjà sur la touche et les couleurs, il fit la rencontre du sculpteur d’origine roumaine Constantin Brancusi (1876-1957). Il décida alors de se consacrer essentiellement à la sculpture, mais il renonças vite à cette technique en raison de la dégradation de sa santé et du coût des matériaux pour se consacrer exclusivement à la peinture.
Son départ pour la guerre en août 1914 marqua une rupture brutale. Au front, Léger continuât à dessiner sur des supports de fortune, avant d’être hospitalisé puis réformé en 1917.
Jeanne Hébuterne et son sweater jaune, 1918-19
Amedeo Modigliani, 1884-1920
Rudolf BAUER
Avant-gardiste berlinois, Rudolf Bauer était un artiste pionnier d'origine allemande qui, avec Vasily Kandinsky, fut l'un des premiers artistes abstraits au monde. Son style abstrait "non objectif" influencera pratiquement tous les aspects de l’art moderne et servira de phare à Pollock, Rothko et à d’autres artistes qui formèrent l’école new-yorkaise de l’expressionnisme abstrait.
Dans la première moitié du 20ème siècle, les œuvres de Bauer ont été exposées aux côtés de sommités telles que Picasso, Chagall, Miró, Mondrian et Kandinsky, dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde. Cependant, à la fin de la Seconde Guerre mondiale, Bauer a arrêté de peindre et est tombé dans l’obscurité.
Composition 31, 1933, Rudolf Bauer, 1889-1953
Hilla REBAY
La baronne Hildegard Anna Augusta Elizabeth Freiin Rebay von Ehrenwiesen, plus simplement connue sous le nom de Hilla Rebay fut une grande dame fascinante qui a laissé derrière elle un héritage plus précieux que quiconque ne peut vraiment l’imaginer et sans laquelle l’histoire de l’art abstrait telle que nous la connaissons n’existerait pas. Pourtant, au cours de sa vie, Rebay était détestée par plusieurs des membres les plus riches et les plus puissants de l’élite sociale new-yorkaise. Ses ennemis ont déployé des efforts concertés pour la dénigrer et, lorsqu’ils en ont eu l’occasion, ils ont travaillé pour cacher toute trace de son influence. Leurs efforts furent si fructueux que Rebay fut en grande partie réduit à une note de bas de page dans les archives de l’histoire de l’art.
Pourtant, Hilla Rebay a laissé une marque monumentale. L'héritage le plus durable de son influence est ce modeste bâtiment en spirale situé dans l'Upper East Side de New York que l'on appelle parfois le temple de l'art non objectif, mais surtout connu sous le nom de Musée Solomon R. Guggenheim. Sans Hilla Rebay, ce bâtiment, et peut-être ce musée, n’existeraient pas, et la collection sans précédent d’art non objectif qu’il protège n’aurait jamais été accumulée. Le bâtiment est peut-être la conception la plus importante de l’architecte le plus influent que l’Amérique ait jamais produit : Frank Lloyd Wright. C'est Hilla Rebay qui a demandé à Wright de le concevoir. Wright a un jour qualifié Rebay de superwoman et aurait même déclaré qu'il avait construit le musée uniquement pour elle.
Si Hilla Rebay fut détestée par tant d’autres, c'est peut-être parce qu’elle était une femme confiante, forte, agressive et passionnée. Ses ennemis étaient pour la plupart des membres de la famille de Solomon R. Guggenheim.
Lyrical Invention 1939, Hilla Rebay, 1890-1967
Joan MIRO
Peintre « mirobolant », selon le mot de Robert Desnos, l’espagnol Joan Miró (1893–1983) est étroitement associé à l’histoire du surréalisme. Sa palette aux couleurs vives est dominée par le bleu. Artiste prolifique, Miró a réalisé pas moins de 2000 peintures, 5000 dessins et collages, 500 sculptures et 400 céramiques.
Miró arriva à Paris après la Grande Guerre, en 1920. Proche de Picasso (il découvrit à cette occasion le cubisme), il rencontra le milieu dadaïste et l’avant-garde. André Breton l’admirait au point de le considérer "comme le plus surréaliste de nous tous".
Personnage, Eté 1925, Joan Miró (1893-1983)
Alexander CALDER
De nationalité américaine, Alexander Calder (1898–1976) a révolutionné la sculpture, art du volume, en lui apportant mouvement et couleurs.
Il est surtout connu pour ses mobiles ainsi nommés sur proposition de Marcel Duchamp lors de leur exposition à Paris en 1932 à la galerie Vignon, pour ses assemblages de formes animées par les mouvements de l'air, puis ses stabiles.
Arc de pétales ,1941, Alexander Calder, 1898-1976
En 1943, le MoMA de New York organisa une première rétrospective, suivie en 1946 par une exposition à Paris préfacée par Jean-Paul Sartre, et en 1952, il obtint le grand prix de la Biennale de Venise.
À partir de 1963 jusqu'à son décès en 1976, il fit fabriquer la majeure partie de ses stabiles et mobiles aux établissements Biemont à Tours.
Si Alexander Calder est surtout connu pour ses peintures, ses mobiles et ses stabiles, il a également réalisé au cours de sa longue carrière de nombreux bijoux. Il a également réalisé en 1969 des décors d'assiettes en collaboration avec la Manufacture de Sèvres.
René MAGRITTE
Peintre d’origine belge, René Magritte (1898–1967) fut le maître des énigmes. Connu pour ses toiles qui fonctionnent comme des rébus ou des métaphores, il mit en évidence, humour et poésie. En 1926, Magritte débuta son parcours dans l’orbite du surréalisme et rencontra André Breton, Paul Éluard, Max Ernst et Salvador Dalí. Mais contrairement à Dali, Magritte, n’a jamais été un amateur des théories psychanalytiques et s’intéressa davantage aux symboles, mythes et croyances, qu’il décortiqua ou parodie avec humour.
Magritte jouait sur les mots comme sur les images, interrogeant notre compréhension de la réalité et de ses représentations. L’une de ses œuvres les plus célèbres, La Trahison des images (1929), représente une pipe associée à l’injonction contradictoire « Ceci n’est pas une pipe ». Ce que nous désignons comme réel, est-ce bien ce que nous percevons ?
La voix des airs, 1931, René Magritte, 1898-1967
Oskar FISCHINGER
Oskar Fischinger est né à Gelnhausen (Allemagne). Il a découvert le cinéma abstrait de l'avant-garde allemande en 1920 à Francfort et a abandonné son métier de facteur d'orgues pour se livrer à des expériences au moyen d'un appareil qu'il a conçu pour animer de la cire. En 1961, il abandonna le cinéma et se consacra à la peinture.
Sans titre, 1942, Oskar Fischinger, 1900-1967
Voilà ! vous venez d'admirer une sélection d'oeuvres que j'ai eu la chance de contempler lors de ma promenade au Musée Guggenheim de New York. Rien ne vaut une balade dans un musée. Vous en sortez toujours émerveillé, et même bouleversé d'avoir découvert ou re-découvert tant de trésors et de créations toujours d'actualité, et ce quel que soit le musée visité.
Merci d'avoir lu cet article. J'espère que vous avez apprécié ce partage. Je vous dis à bientôt.
Christiane Muller
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